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  • Reseña de disco: Cinderella - 1986 - Night Songs

    Reseña de disco: Cinderella - 1986 - Night Songs
    Nov 7 2025
    Bienvenidos a la Madriguera del Rock donde este cuenta su historia, el refugio perfecto para hablar de sonidos de guitarra legendarios, discos olvidados, músicos y bandas que hicieron temblar los amplificadores del mundo. En esta madriguera les damos la garantía de que acá nunca va a haber Regguetón. Los saluda su amigo el topo, Orlando Muñoz, desde San José Costa Rica, y hoy traemos una reseña de uno de los álbumes mas representativos del movimiento hair metal galm ochentoso, de manera que preparen sus sentidos para un viaje a través de 10 temas que nos llevarán de vuelta atrás en el tiempo. Cinderella fue una banda estadounidense formada en 1982 en Filadelfia, Pensilvania, por el vocalista y guitarrista Tom Keifer y el bajista Eric Brittingham. Su alineación clásica se completó con el guitarrista Jeff LaBar, fallecido en 2021 y el baterista Fred Coury, creando un sonido característico que fusionaba melodías fuertes de guitarra, baladas con sentimiento y influencias de blues, inspirado en grupos como AC/DC y Aerosmith. Descubiertos por Jon Bon Jovi en un bar local, firmaron con el sello Mercury Records y debutaron con su placa "Night Songs" en junio de 1986, un álbum que vendió tres millones de copias en EE.UU. y les abrió las puertas al éxito con hits como "Shake Me" y "Nobody's Fool". Su discografía incluye trabajos como "Long Cold Winter" de 1988, el cual contiene el icónico tema "Don't Know What You Got (Till It's Gone)", el cual alcanzó el top 10 en la lista de Billboard; también su placa "Heartbreak Station" de 1990, más orientada hacia el blues-rock; y finalmente su álbum "Still Climbing" de 1994, su último trabajo de estudio antes de una pausa. La banda vendió más de 15 millones de álbumes globalmente y realizó giras con pesos pesados como Bon Jovi, David Lee Roth, Ratt, Tesla y Winger, destacando en la escena hair metal de los 80. Sin embargo, problemas vocales de Keifer llevaron a su disolución en 1995, con reuniones intermitentes hasta 2014. Cinderella dejó un legado como exponentes del rock melódico y accesible, con letras sobre amor, pérdida y la vida en la carretera. Aunque no alcanzaron la fama de otras bandas como Mötley Crüe, su música perdura en playlists de rock clásico. En este 2025, Tom Keifer continúa en solitario, manteniendo vivo el espíritu de la banda. La crítica recibió a "Night Songs" con opiniones mayoritariamente positivas, destacando su energía cruda y su rol como puente entre el hard rock y el glam metal de los 80, aunque no exento de algunas limitaciones. Sitios como Sputnikmusic lo describen como un debut impactante que deja al oyente deseando más, con una gran primer impresión y un sonido que fusiona ganchos pegajosos con potentes guitarras. También se elogian sus composiciones como pegajosas pero a la vez poderosas, con solos explosivos y una producción que captura la esencia del hair metal, superando en su sonido a otras bandas de la ṕoca como Poison en la ejecución musical. Otras opiniones en lo llaman un clásico fantástico y subestimado, aunque también se critica la sobreexposición radial de hits como "Nobody's Fool". En general, se considera un imprescindible para colecciones de rock, con su influencia de la música blues y su vibra energética que resiste el tiempo, contribuyendo al éxito comercial de triple platino y al legado de la banda en la escena ochentera. En la grabación de Night Songs, Cinderella contó con la participación de su alineación principal, aunque no todos los miembros tocaron en el disco. Tom Keifer asumió el papel central como vocalista, guitarrista y pianista, además de ser el principal compositor. Jeff LaBar aportó su guitarra y coros, mientras que Eric Brittingham se encargó del bajo y las voces de acompañamiento. Fred Coury, aunque figura como baterista oficial, no participó en las sesiones de grabación, ya que se unió al grupo poco después de finalizado el proceso. En su lugar, Jody Cortéz fue el encargado de la batería en todos los temas. El álbum también incluyó a varios músicos adicionales que aportaron matices al sonido: Barry Benedetta tocó la guitarra líder en “Back Home Again”, “Nothin’ for Nothin’” y “Push, Push”, mientras que Jeff Paris añadió teclados. En los coros participaron Tony Mills y Bill Mattson, y como invitado especial destacó Jon Bon Jovi, quien prestó su voz en “Nothin’ for Nothin’” y tambien en el tema “In from the Outside”. Esta combinación de talento consolidó el característico sonido del debut de Cinderella, mezclando la energía del hard rock con una producción pulida que anticipaba su rápido ascenso en la escena del glam metal de los ochenta. El álbum Night Songs fue lanzado el 9 de junio de 1986 y representó el explosivo debut de la banda dentro del movimiento glam metal, logrando con éste un éxito comercial notable. La placa alcanzó el puesto #3 en el Billboard 200 de Estados Unidos y fue ...
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    1 ora e 3 min
  • Compilación especial Halloween 2025

    Compilación especial Halloween 2025
    Oct 31 2025
    Bienvenidos a la Madriguera del Rock donde el rock cuenta su historia, el refugio perfecto para hablar de riffs legendarios, discos olvidados y anécdotas que hicieron temblar los amplificadores del mundo.y con la garantía de que acá nunca va a haber Regguetón. Los saluda su amigo el topo, Orlando Muñoz, y hoy traemos una compilación especial para la noche más creepy del año, preparen sus sentidos para un viaje a través de 14 temas que celebran lo macabro, lo sobrenatural y la diversión aterradora del 31 de octubre. Desde pesados sonidos de distorsiones que evocan sombras y brujas hasta letras que relatan historias de miedo y misterio, exploraremos cómo el rock el punk y el metal han capturado la esencia de esta festividad. Bienvenidos a un recorrido donde la música y Halloween se encuentran en su máxima expresión. Acá en cada episodio de La Madriguera del Rock hacemos regularmente una inmersión en los laberinto sonoros del género, donde la oscuridad y la luz chocan al ritmo de guitarras y las voces, las cuales desafían el silencio. Este es un viaje sin reglas, un descenso al corazón salvaje del rock, donde las historias que marcaron generaciones siguen resonando en las profundidades, y cada acorde encierra una verdad que aún se atreve a desafiarlo todo. Agradezco sinceramente su compañía, y le pido que si le ha gustado este episodio nos regale un me gusta, que nos ayude a romper los algoritmos y llevar a mas criaturas del rock este programa, igualmente lo invito a visitarnos en nuestra página de Facebook, La Madriguera del Rock, donde a diario compartimos noticias y curiosidades de la música rock en todos sus géneros. Tracklist 1. King Diamond - Halloween 2. Rob Zombie - Dragula 3. Ministry - (Every Day Is) Halloween 4. Ghost - Hunter’s Moon 5. Muse - You Make Me Feel Like It’s Halloween 6. Ozzy Osbourne - Bark at the Moon 7. Misfits - Night of the Living Dead 8. Type O Negative - Black No. 1 (Little Miss Scare‑All) 9. Dead Kennedys - Halloween 10. Bride - All Hallow’s Eve 11. Green Lung - Maxine (Witch Queen) 12. Acid Witch - The Black Witch 13. Danzig - Her Black Wings 14. Helloween - Halloween
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    1 ora e 39 min
  • Reseña de disco: Led Zeppelin - 1969 - Led Zeppelin II

    Reseña de disco: Led Zeppelin - 1969 - Led Zeppelin II
    Oct 22 2025
    Hoy traemos nuevamente a una de las bandas indiscutiblemente más importantes de la historia del Rock, Led Zeppelin, banda británica compuesta por Jimmy Page en la guitarra, Robert Plant en la voz, John Paul Jones en el bajo y teclados y John Bonham en la batería. La banda revolucionó por completo el mundo del rock, estableciendo un nuevo estándar con su explosiva fusión de hard rock, blues, folk y misticismo. Led Zeppelin no solo creó un sonido poderoso, sino un universo musical monumental, ue traspasaba los límites de la época. Con giras que se transformaron en leyenda, conciertos que se recuerdan como experiencias casi míticas y más de 200 millones de discos vendidos en todo el mundo, Zeppelin forjó un legado que sigue influyendo y definiendo la esencia del rock moderno. Led Zeppelin II, lllegó apenas meses después del debut de la banda, consolidando su presencia en la escena del rock internacional. El álbum se gestó en un período de intensa actividad: giras maratonianas por Reino Unido, Europa y Estados Unidos, donde la banda absorbía influencias de diversos estilos musicales, desde el blues y el folk hasta el hard rock emergente. Este ritmo de conciertos y viajes contribuyó a un sonido más agresivo y directo en comparación con su álbum debut, reflejando la energía cruda del grupo y la química consolidada entre sus miembros. La placa combina ritmos contundentes, riffs memorables y letras cargadas de misterio y sensualidad, mostrando un equilibrio entre potencia y melodía que definiría la identidad de Led Zeppelin. Muchos de sus temas establecieron un estándar para el hard rock, mientras que otros exploraban texturas más experimentales y narrativas épicas. La influencia del blues clásico es evidente, pero reinterpretada con un enfoque más audaz y contemporáneo, creando un sonido único que capturaba la atención de críticos y fans por igual. La sesiones de grabación de Led Zeppelin II se llevaron a cabo en los estudios Olympic y Morgan en Londres, Inglaterra, A&M, Quantum, Sunset y Mystic en Los Ángeles, California, Ardent Studios en Memphis, Tennessee, A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair en Nueva York y en el estudio ubicado en Vancouver, Columbia Británica. La producción fue acreditada en su totalidad a Jimmy Page, quien utilizó junto al productor e ingeniero musical Jimy Kramer algunas técnicas que se habían utilizado previamente con los discos de Jimi Hendrix. Según el mismo Kramer, su trabajo con Page logró un excelente sonido, pese a las condiciones en las que se grabó el álbum, señalando que habían hecho ese álbum por fragmentos, cortando algunas pistas en los estudios más extraños que se pudieran imaginar. Una vez que se tuvieron todas las pistas Page y Kramer pasaron dos días mezclando el álbum en los estudios de A&R, es decir en el estudio Charlie Chaplin en Hollywood, California. Led Zeppelin II, lanzado el 22 de octubre de 1969, fue un éxito comercial inmediato. En Estados Unidos, el álbum alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard 200, donde permaneció durante siete semanas consecutivas. En el Reino Unido, también llegó al número 1 y se mantuvo en las listas durante 138 semanas. Este éxito se reflejó en las ventas: en 1999 se certificó el álbum con 12 veces platino por más de 12 millones de copias vendidas solo en EE. UU. A nivel mundial ha vendido aproximadamente 22 millones de copias, siendo uno de los discos más vendidos de la banda. Además de su éxito en EE. UU. y el Reino Unido, el álbum también alcanzó el número 1 en las listas de Canadá, Australia y España. La portada de esta placa es tan icónica como la música que contiene. Diseñada por David Juniper. Su diseño fue un collage nominado al Grammy que sustituyó las cabezas de los pilotos en una foto de un escuadrón aéreo alemán de la Primera Guerra Mundial por imágenes de los miembros de la banda y otras figuras destacadas como la actriz británica Glynis Johns y el cantante de blues norteamericano Blind Willie Johnson. Tracklist 1- Whole Lotta Love 2- What Is and What Should Never Be 3- The Lemon Song 4- Thank You 5- Heartbreaker 6- Living Loving Maid (She's Just a Woman) 7 - Ramble On 8- Moby Dick 9- Bring It on Home
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    1 ora e 8 min
  • Reseña de disco: Grand Funk Railroad - 1972 - Phoenix

    Reseña de disco: Grand Funk Railroad - 1972 - Phoenix
    Oct 12 2025
    Hoy vamos a revisar un álbum que hizo historia, Phoenix, de la mítica banda de hard rock Grand Funk Railroad, una placa que está cumpliendo 53 años. Grand Funk Railroad, formada en 1969 en Flint, Michigan, es una de las bandas más icónicas del hard rock estadounidense de los años setenta. Integrada por Mark Farner (voz, guitarra y teclado), Mel Schacher (bajo) y Don Brewer (batería). La banda se destacó por un sonido directo, potente y lleno de energía, con riffs sólidos, percusiones contundentes y una actitud rockera inconfundible. A pesar de la crítica inicial que los consideraba “comerciales”, conquistaron a millones de fanáticos y se consolidaron por sus espectaculares presentaciones en vivo, dejando un legado influyente para generaciones posteriores de músicos de hard rock y heavy metal. Lanzado el 12 de octubre de 1972, Phoenix marcó un punto de evolución en su carrera, combinando la fuerza del hard rock con elementos progresivos y experimentales. E Phoenix representó un hito en la carrera de Grand Funk Railroad al ser el primer álbum producido íntegramente por la banda, tras su ruptura con el controvertido manager y productor Terry Knight. Las tensiones acumuladas y las diferencias creativas motivaron a Farner, Schacher y Brewer a asumir el control total de su música y dirección artística, marcando una etapa de mayor autonomía y libertad creativa. La grabación se llevó a cabo en el Sound Shop Studio de Nashville, Tennessee, en 1972, con la banda supervisando cada detalle. Esta independencia permitió experimentar con nuevas influencias, enriqueciendo su estilo de hard rock con elementos progresivos y psicodélicos, diversificando su paleta sonora sin perder la energía característica de su música. Phoenix introdujo al tecladista Craig Frost como miembro oficial de la banda, aportando una capa adicional de complejidad y textura sonora. Además, se contó con la participación del violinista eléctrico Doug Kershaw, quien contribuyó con su estilo único a la atmósfera del álbum. El resultado de este enfoque autogestionado fue un álbum que, aunque no alcanzó el mismo nivel de éxito comercial que sus predecesores, recibió elogios por su audacia y evolución musical. Phoenix alcanzó el puesto número 7 en el Billboard 200 en Estados Unidos, consolidando a Grand Funk Railroad como una de las bandas de hard rock más importantes de la época. El sencillo principal, “Rock & Roll Soul”, llegó al puesto 29 en el Billboard Hot 100 en 1972. En Europa, el álbum también tuvo buena recepción, alcanzando el número 20 en Noruega y el 25 en Alemania. Además, fue certificado disco de oro por la RIAA el 12 de octubre de 1972, por más de 500,000 copias vendidas en Estados Unidos. La crítica especializada tuvo una recepción mixta hacia Phoenix. Algunos críticos elogiaron la evolución musical de la banda, destacando su capacidad para incorporar elementos más complejos y sofisticados en su sonido. En general, Phoenix fue visto como un intento de Grand Funk Railroad por evolucionar y diversificar su sonido, alejándose de su estilo más directo y crudo hacia una propuesta más melódica y experimental. Aunque no todos los críticos consideraron que el álbum alcanzó su máximo potencial, su desempeño comercial y la apreciación de ciertos aspectos musicales indican que fue un paso significativo en la carrera de la banda. Tracklist 01 - Flight of the Phoenix 02 - Trying to Get Away 03 - Someone 04 - She Got to Move Me 05 - Rain Keeps Fallin’ 06 - I Just Gotta Know 07 - So You Won’t Have to Die 08 - Freedom Is for Children 09 - Gotta Find Me a Better Day 10 - Rock 'n Roll Soul
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    1 ora e 4 min
  • Reseña de Disco: Led Zeppelin III

    Reseña de Disco: Led Zeppelin III
    Oct 4 2025
    Hoy traemos a una de las bandas indiscutiblemente más importantes de la historia del Rock, la banda británica Led Zeppelin, formada en Londres en 1968. Compuesta por Jimmy Page en la guitarra, Robert Plant en la voz, John Paul Jones en el bajo y teclados y John Bonham en la batería, la banda redefinió el género con una mezcla explosiva de hard rock, blues, folk y misticismo. Led Zeppelin creó un sonido monumental: riffs pesados, voces desgarradoras y arreglos innovadores. Su habilidad para fusionar la crudeza del blues con experimentos acústicos y épicos narrativos, los convirtió en íconos. Con giras legendarias y más de 200 millones de discos vendidos, su legado perdura en el rock moderno. Pese a su disolución en 1980 tras la muerte de Bonham, hoy Led Zeppelin sigue siendo sinónimo de grandeza uno de los que fijo están sentados en el Olimpo del Rock. Led Zeppelin III presenta un sonido equilibrado entre la furia de la guitarra eléctrica y la delicadeza acústica. Temas como "Immigrant Song", de alguna forma define el hard rock de los 70. Al lanzamiento, la recepción fue mixta: la crítica en su momento catalogó al álbum como inconsistente, confundidos por el cambio de estilo. Las ventas iniciales fueron sólidas, alcanzando el No. 1 en el Reino Unido y US, con certificaciones multiplatino, pero no igualaron el éxito inmediato de sus predecesores. Retrospectivamente, esta placa hoy es aclamada como un hito: sitios especializados en la crítica musical como Pitchfork lo ve como un espacio físico e intelectual, mientras que la plataforma Sputnikmusic resalta la sensación que transmiten los temas que generan una impresión de estar flotando en un paisaje sonoro etéreo, con texturas que sugieren calma, nostalgia o un viaje interior, similar a un sueño lúcido, y además sus letras profundas. Algunos críticos en su momento, señalaron negativamente el material acústico por imitar la música de Crosby, Stills, Nash & Young, a lo que Page reacciono señalando que el grupo había presentado ese estilo en sus álbumes anteriores. El mismo Page también ha señalado que las críticas negativas tras este tercer álbum, lo afectaron tanto que no concedió entrevistas de prensa durante 18 meses después de su lanzamiento, y agregó que las críticas fueron una de las razones por las que el siguiente álbum no contenía información escrita. en absoluto. Más tarde llegó a creer que los periodistas tenían poco tiempo para escuchar el material y simplemente buscaban que la banda repitiera el éxito conseguido por sus primeros trabajos, sin salirse del molde, en lugar de apreciar el material por sus propios méritos. Esta placa se grabó en tres lugares. Gran parte del trabajo se realizó en Headley Grange, un antiguo hospicio construido en el año 1795, situado en la localidad de East Hampshirey que durante los años 70. La banda también utilizó el Rolling Stones Mobile Studio, una unidad móvil que se remonta a 1968, originalmente este estudio contenía un máximo de 20 micrófonos y grababa en un formato de 8 pistas. Además se realizaron sesiones adicionales en Island Studios y Olympic Studios en Londres. Al igual que en el álbum anterior, la banda evitó el uso de músicos invitados, con toda la música interpretada por los miembros de la banda. Hacia 1970, Led Zeppelin ya había logrado un gran éxito comercial en el Reino Unido y Estados Unidos con sus dos primeros discos. Fue cuando luego de la gura de su segunda producción, decidieron tomarse un descanso. Gracias a esto Robert Plant sugirió a Page refugiarse en Bron-Yr-Aur, una cabaña rural del siglo XVIII en Gales. Este lugar aislado, aislado de la civilización y las comodidades de la modernidad como agua potable o electricidad, inspiró un leve giro musical en la banda, concediendo prioridad a los arreglos acústicos que se aprecian en esta placa. La edición original en vinilo de Led Zeppelin III se lanzó con una funda desplegable que destacaba por su innovador diseño, creado por Richard Drew, conocido como Zacron, un artista que Page había conocido en 1963 mientras estudiaba en el Kingston College de las artes. El diseño de la portada y su interior desplegable presentaban una colección surrealista de imágenes aparentemente desordenadas sobre un fondo blanco, muchas relacionadas con la aviación o el vuelo, evocando una sensación de movimiento y libertad. Este disco mostraba más imágenes, incluyendo fotos de los miembros de la banda, visibles a través de recortes en la cubierta. Al girar el disco, las imágenes cambiaban, creando un efecto dinámico donde una figura principal se alineaba con otras secundarias en los orificios. Led Zeppelin III fue uno de los álbumes más esperados del año, los pedidos anticipados solo en Estados Unidos se acercaron al millón de unidades. La funda con diseño retrasó la producción y provocó un retraso de dos meses. Previo al lanzamiento, el grupo publicó un anuncio a ...
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    1 ora e 15 min
  • Reseña de discos: Iron Maiden - 1986 - Somewhere In Time

    Reseña de discos: Iron Maiden - 1986 - Somewhere In Time
    Sep 29 2025
    Bienvenidos a la Madriguera del Rock donde el rock cuenta su historia y con la garantía de que acá nunca va a haber Regguetón. Iron Maiden es uno de los pilares indiscutibles del heavy metal, una banda que desde su formación en la ciudad de Londres en 1975 ha creado un universo sonoro y visual único. Bajo el liderazgo de Steve Harris y con la poderosa voz de Bruce Dickinson, lograron fusionar velocidad, melodía y narrativas épicas que inspiraron a incontables grupos posteriores. Sus conciertos masivos, su inagotable energía en escena y la icónica presencia de Eddie —la mascota que protagoniza cada portada— los convirtieron en una leyenda viva. Durante los años ochenta alcanzaron la cima creativa con discos como “The Number of the Beast” y “Powerslave”, consolidando un estilo característico. En 1986, tras la extensa y agotadora gira del World Slavery Tour, Maiden sorprendió al mundo con si sexto trabajo de estudio “Somewhere in Time”. Este álbum incorporó por primera vez guitarras sintetizadas, lo que aportó un aire futurista a su propuesta. Inspirado en la ciencia ficción y con una portada cargada de referencias, representó un giro audaz dentro de su carrera. Aunque en su momento dividió a la crítica, con los años se ha convertido en un clásico imprescindible. “Somewhere in Time” demostró que el heavy metal podía evolucionar sin perder su esencia, consolidando a Maiden como visionarios del género. “Somewhere in Time” es el sexto álbum de estudio de Iron Maiden, y fue lanzado un día como hoy 29 de septiembre pero del año 1986, es decir hace hoy 39 años. Esta placa se produjo en los estudios Compass Point en Bahamas y los estudios Wisseloord en Países Bajos, bajo la producción de Martin Birch. Somewhere in Time ha sido certificado como disco de platino en los Estados Unidos por vender más de 1 millón de copias. En Reino Unido también alcanzó certificación de Oro tras vender más de 100.000 copias. La portada fue diseñada por Derek Riggs, y está impregnada de estética de ciencia ficción, lo que junto al sonido futurista del disco hizo que se convirtiera no solo en un éxito comercial, sino en una pieza clave en la evolución musical de Iron Maiden. Maiden decidió dar un paso audaz hacia nuevos horizontes musicales con “Somewhere in Time”, incorporando de manera extensiva el uso de “guitarras sintetizadas”, un recurso innovador para la banda y para el heavy metal de la época. Aunque algunos de sus seguidores se mostraron sorprendidos por esta novedad sonora, la mayoría continuó fiel al espíritu de la banda, valorando su capacidad para reinventarse sin perder su esencia. Estos cambios que no fueron únicos si no más bien una tendencia de la segunda mitad de los ochenta, aportaron un “aire fresco y futurista” al mismo tiempo que les permitieron explorar atmósferas más progresivas y épicas, diferenciándose claramente de muchas bandas del glam y heavy metal de los 80 que simplemente seguían las tendencias de moda. El resultado es un que hoy, el Somewhere es un disco que, con el tiempo, se ha consolidado como “una obra maestra de la era dorada de Iron Maiden”, tanto por su calidad musical como por su concepto visual y lírico. Somewhere in Time marcó un punto de inflexión en la carrera de Iron Maiden. Aunque al principio algunos fanáticos mostraron reservas debido a los cambios en el sonido tradicional, Somewhere in Time ha sido elogiado por su complejidad y profundidad. La crítica especializada destacó la madurez musical de la banda y la capacidad de Maiden para reinventarse sin perder su esencia. Con el paso de los años, el álbum ha ganado reconocimiento y es considerado uno de los favoritos entre los seguidores del grupo. Track List 01 - Caught Somewhere In Time 02- Wasted Years 03 - Sea of Madness 04 - Heaven Can Wait 05- The Loneliness of the Long Distance Runner 06 - Stranger In A Strange Land 07 - Déjà Vu 08 - Alexander the Great
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    1 ora e 25 min
  • Biografía de Triana ( Rock Andaluz )

    Biografía de Triana ( Rock Andaluz )
    Sep 23 2025
    Hoy, en este regreso y luego de una prolongada pausa, estamos de nuevo por acá con la promesa de que en el futuro cercano vamos a tener biografías de bandas icónicas, así como revisiones de discos y también regresando al pasado para revisar algunas listas de éxitos. Hoy como pudieron sentir, viajamos hasta el corazón de Sevilla para revivir los orígenes de Triana, la banda que, sin proponérselo, fueron los referentes que crearon todo un género musical. Hoy vamos a desempolvar una biografía que escribí hace años, actualizada con datos frescos hasta 2025, para contar cómo Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y Tele Palacios cambiaron la música española para siempre. Triana sin lugar a dudas representa un pilar fundamental en la escena rock española, al forjar el rock andaluz como un género único que fusionó el flamenco profundo con el rock progresivo y psicodélico, y a la vez capturando el espíritu contracultural de una España en busca de identidad. Su innovación radicó en la capacidad de transformar el "duende" sevillano en himnos poéticos y sonoros que trascendieron barreras regionales, influyendo en generaciones de músicos que exploran la hibridación de tradiciones folclóricas con vanguardia rockera. Bandas y artistas contemporáneos, desde el indie flamenco hasta el rock alternativo, citan su esencia como inspiración para romper moldes y reivindicar raíces culturales en un panorama globalizado. El legado de Triana perdura en homenajes cinematográficos, teatrales y colectivos que celebran su rol como símbolo de libertad creativa, demostrando que su música no solo definió un movimiento, sino que sigue iluminando la diversidad del rock ibérico con un eco eterno de resistencia y pasión. Setlist: 1. En el Lago 2. Sería maravilloso ( Tabaca ) 3. Recuerdos de una Noche 4. Abre la Puerta 5. Luminosa Mañana 6. Sé de un Lugar 7. Rumor 8. ¡Ya está bien! 9. Hijos del Agobio 10. Hasta Volver 11. Tiempo sin saber 12. Tu Frialdad 13. Caudaloso río 14. Una noche de amor desesperada 15. Desnuda la mañana 16. De una nana siendo niño 17. Aires de mi Canción 18. Rock De La Calle Feria 19. Ser Feliz
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    2 ore e 53 min
  • Butchering The Beatles, A Headbashing Tribute

    Butchering The Beatles, A Headbashing Tribute
    Jun 12 2023
    Hoy en La Madriguera del Rock vamos a hacer un viaje a través de una compilación tributo de la que es sin lugar a duda la banda mas importantes de la historia del rock, la banda británica The Beatles. En esta ocasión se trata del homenaje de tipo metalero a The Beatles. Este proyecto reunió a varios músicos, aclarando que no todos son metaleros, pero que si se dedicaron a metalizar 12 temas del Cuarteto de Liverpool. A pesar de la variedad de figuras del metal que participan en Butchering the Beatles, esta placa no tiene particularmente un sonido pesado, de hecho algunas interpretaciones no son muy creativas, pero se dejan oir, haciendo que el disco no sea enteramente aburrido, algunas de las canciones resultan tener un sonido lo suficientemente sólido que en su momento fue una motivante para adquirir una copia física del disco. Butchering The Beatles, A Headbashing Tribute es el nombre de esta compilación, y presenta una formación de estrellas para honrar a The Beatles. En total, más de 50 artistas discográficos de renombre internacional aportan su singular toque rompehuesos a estas extraordinarias canciones. Producida por el productor y guitarrista ganador del premio Grammy 2004, el fallecido Bob Kulick quien murió en octubre de 2020 debido a causas naturales por una falla cardíaca congénita y el ingeniero de sonido estadounidense Brett Chassen. Butchering The Beatles presenta 12 temas de algunos éxitos de The Beatles. Cuando la revista Guitar Player le preguntó qué lo poseyó para volverse completamente metalero con The Beatles, Bob Kulick dijo: "Las canciones de The Beatles son el Santo Grial. Son las mejores canciones de rock jamás escritas. Estas nuevas grabaciones son totalmente fieles, pero completamente diferentes". Butchering The Beatles - A Headbashing Tribute, se publicó hacia finales de 2006, todas ese mismo año en 8 ediciones diferentes, 6 por el sello Enigma a través de su subsidiaria Restless Records en EUA, Japón y en UK, algunas verisiones solo como promo CD, una por el sello Rykodisc que lo distribuyó a nivel global y otra por el sello ruso G. & P. Essential Music en una versión no oficial. Lista de Temas 1. Hey Bulldog Con la voz de Alice Cooper, Steve Vai en la guitarra, Duff McKagan (ex Guns’n’Roses, Velvet Revolver) en el bajo, Mikkey Dee (Motörhead, King Diamond) en la batería. 2. Back in the USSR Con la voz y el bajo de Lemmy Kilmister (Motörhead), John 5 (Rob Zombie, ex David Lee Roth) en la guitarra y Eric Singer (Kiss, Alice Cooper y Avantasia) en la batería. 3. Lucy In the Sky With Diamonds Con la voz de Geoff Tate (Queensryche), Michael Wilton (Queensryche) y Craig Goldy (Dio) en las guitarras, Rudy Sarzo (Ozzy Osbourne, Quiet Riot, Dio) en el bajo, Simon Wright (Dio) en la batería y Scott Warren (Dio) en el teclado. 4. Tomorrow Never Knows Con la voz de Billy Idol, Steve Stevens (Billy Idol) en la guitarra, Bosko en el bajo y Brian Tich (Billy Idol) y en la batería. 5. Magical Mystery Tour Con la voz de Jeff Scott Soto (Yngwie Malmsteen), Yngwie Malmsteen en la guitarra lider, Bob Kulick en la guitarra rítmica, Jeff Pilson (Dokken) en el bajo y Frankie Banali (W.A.S.P., Quiet Riot) en la batería. 6. Revolution Con la voz y la guitarra de Billy Gibbons (ZZ Top), el guitarrista Vivian Campbell (Def Leppard, Dio), Mike Porcaro (TOTO) en el bajo y Gregg Bisonnette (David Lee Roth, Ringo Starr Band) y Joseph Fazzio (Superjoint Ritual) en las percusiones. 7. Day Tripper Con las voces de Jack Blades (Night Ranger, Damn Yankees) y Tommy Shaw (Styx, Damn Yankees), Doug Aldrich (Withesnake, Dio) en la guitarra, Marco Mendoza (Withesnake, Thin Lizzy) en el bajo y Virgil Donati (Steve Vai, Soul Sirkus, Planet X) en la batería. 8. I Feel Fine Con la voz de John Bush (ANTHRAX), Stephen Carpenter (Deftones) en la guitarra, Mike Inez (Ozzy Osbourne, Alice in Chains) en el bajo y John Tempesta (The Cult, Testament) en la batería. 9. Taxman Con la voz de Doug Pinnick (King’s X), Steve Lukather (Toto) en la guitarra, Tony Levin (John Lennon, Peter Gabriel) en el bajo y Steve Ferrone (Eric Clapton, Tom Petty) en la batería. 10. I Saw Her Standing There Con la voz de John Corabi (ex-Mötley Cüe), Phil Campbell (Motörhead) y C.C. Deville (Poison) en las guitarras, Chris Chaney (Jane’s Addiction) en el bajo y Kenny Aronoff (Smashing Pumpkins, Bon Jovi) en la batería. 11. Hey Jude Con la voz de The Ripper Owens (Judas Priest, Iced Earth, Yngwie Malmsteen), George Lynch (Dokken, Lynch Mob) y Bob Kulick (Meat Loaf, Paul Stanley Band) en las guitarras, Tim Bogert (Vanilla Fudge, Beck) en el bajo y Chris Slade (AC/DC) en la batería. 12. Drive My Car Con la voz de Kip Winger (Winger), Bruce Kulick (KISS) en la guitarra, Tony Franklin (The Firm, Whitesnake) en el bajo y Aynsley Dunbar (Whitesnake, Journey) en la batería.
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    1 ora e 21 min